Impresionismo, un término amplio utilizado para describir la obra producida a finales del siglo XIX, especialmente entre 1867 y 1886, por un grupo de artistas que compartían un conjunto de enfoques y técnicas relacionadas. Los artistas impresionistas fundadores incluyeron a Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Edgar Degas y Berthe Morisot. Otros impresionistas significativos, incluidos Gustave Caillebotte, Mary Cassatt, Paul Gauguin y Georges Seurat, se unieron al grupo más tarde.
Aunque estos artistas tenían diferencias estilísticas, tenían un interés compartido en registrar con precisión y objetivamente la vida contemporánea y los efectos transitorios de la luz y el color. Estas preocupaciones pueden parecer bastante banales en el siglo XXI, pero en el siglo XIX, cuando se favorecieron los temas históricos, bíblicos y alegóricos, y se esperaba que la pintura tuviera un acabado alto, eran revolucionarios.
Los impresionistas ayudaron a liberar el arte de un enfoque en el tema hacia la expresión personal y el estudio de la creación.
Los artistas que se convirtieron en los impresionistas
Los artistas que más tarde se llamarían los impresionistas se reunieron en París a principios de la década de 1860. Pissarro, Monet, y los artistas Paul Cézanne y Armand Guillaumin se conocieron mientras estudiaban en la Académie Suisse, una escuela de arte informal en París fundada por Martin François Suisse.
En 1862, Monet se unió al taller del académico Charles Gleyre y se hizo amigo de los compañeros Sisley, Renoir y el artista Frédéric Bazille. Los dos grupos se reunieron con frecuencia, discutiendo su insatisfacción compartida con el énfasis de la enseñanza académica en la representación de temas históricos o mitológicos con connotaciones literarias o anecdóticas. También rechazaron los tratamientos imaginativos o idealizadores convencionales de la pintura académica.
Influencias
La mayoría de estos artistas solo tenían veinte años, a excepción de Pissarro, que tenía treinta y tantos años, y solo estaban formando sus estilos. Monet estaba especialmente interesado en los innovadores pintores Eugène Boudin y Johan Barthold Jongkind, que representaban los efectos fugaces del mar y el cielo por medio de métodos de aplicación de pintura altamente coloreados y texturalmente variados.
Con sus amigos del estudio Gleyre, Monet adoptó la práctica de Boudin de pintar completamente al aire libre mientras miraba la escena real, en lugar de terminar una pintura a partir de bocetos en el estudio, como era la práctica convencional. Cuando Gleyre cerró su estudio en 1864, Monet, Renoir, Sisley y Bazille se trasladaron temporalmente al bosque de Fontainebleau, donde se dedicaron a la pintura directamente de la naturaleza. El bosque de Fontainebleau había atraído anteriormente a otros artistas, entre ellos Théodore Rousseau y Jean-François Millet, que insistieron en que el arte representa la realidad de la vida cotidiana.
El estudio Gleyre y los estudiantes de la Académie Suisse se inspiraron en el artista establecido Édouard Manet, quien había seguido el ejemplo del pintor realista Gustave Courbet en la pintura objetiva de temas modernos. En el arte de Manet, el tema tradicional se rebajó en favor de los temas de los eventos y circunstancias de su propio tiempo, y la atención se centró en la manipulación del color, el tono y la textura del artista como fines en sí mismos. El sujeto se convirtió en un vehículo para la composición artística de áreas de color plano y pinceladas deliberadas, mientras que la profundidad perspectival se minimizó para que el espectador mirara los patrones de superficie y las relaciones de la imagen en lugar del espacio tridimensional ilusorio que creó. Pissarro y los artistas más jóvenes conocieron a Manet, así como a Degas alrededor de 1866 en el Café Guerbois.
Comienzos del impresionismo
A finales de la década de 1860, Monet, Pissarro, Renoir y otros comenzaron a pintar paisajes y escenas de ríos en las que intentaban registrar desapasionadamente los colores y formas de los objetos tal como aparecían en la luz natural en un momento dado. Estos artistas abandonaron la paleta tradicional de paisajes de verdes apagados, marrones y grises y, en cambio, pintaron con una llave más clara, más soleada y más brillante. Comenzaron pintando el juego de la luz sobre el agua y los colores reflejados de sus ondulaciones, tratando de reproducir los múltiples y animados efectos de la luz solar y la sombra y de la luz directa y reflejada que observaban.
En sus esfuerzos por reproducir impresiones visuales inmediatas registradas en la retina, abandonaron el uso de grises y negros en las sombras como colores inexactos y utilizaron colores complementarios. Más importante aún, aprendieron a construir objetos a partir de manchas discretas de color puro armonizador o contrastante, evocando así la brillantez de color roto y las variaciones de tonalidad producidas por la luz solar y sus reflejos. Las formas en sus imágenes perdieron sus contornos claros y se volvieron desmaterializadas, brillando y vibrando en una recreación de las condiciones reales al aire libre.
Y finalmente, las composiciones formales tradicionales fueron abandonadas en favor de una disposición más casual y menos artificial de los objetos dentro del marco de la imagen. Los impresionistas extendieron sus nuevas técnicas para representar paisajes, árboles, casas e incluso escenas urbanas de calles y estaciones de ferrocarril.
